Top 5 películas 2010

El 2010 trajo consigo múltiples experiencias, nuevas apuestas cinematográficas, continuaciones, fracasos y éxitos inesperados; Actores iniciaron su recorrido, directores marcaron tendencias y posiblemente en un futuro (no sabemos si corto o largo) filmes recientes se conviertan en películas de culto o de referencia.

Se acaba el año y empiezan a salir a la luz los famosos “top” con lo mejor del año, un ejemplo común de este son los de películas, y aquí en the Cinema Paradiso decidimos realizar nuestra propia lista con las que a nuestro juicio, fueron las 5 mejores películas del 2010.

La lista se encuentra en la barra lateral del sitio.

“Se7en” (1995): Un asesino diferente a los demás

"No soy especial, nunca me he creído excepcional. Pero esto sí lo es, lo que hago, mi trabajo". Por el cine han pasado demasiados asesinos seriales, pero pocos de ellos tienen un fin moral, un propósito en sus vidas que los hacen creer mejores personas, diferentes a los que simplemente matan para satisfacer una necesidad, bueno, ese es el caso de John Doe (interpretado por un frío Kevin Spacey) que se cansó del mundo y decidió, en palabras suyas, “poner los pecados en contra de los pecadores”. La historia es algo atrayente y desagradable a la vez: en una ciudad sin nombre los detectives William Somerset (Morgan Freeman) y David Mills (Brad Pitt) van en busca de un hombre que está matando gente que comete los llamados pecados capitales, siete de ellos, un cadáver por cada pecado, todo empieza a desmoronarse hasta llegar a un final bastante pesimista que no cualquiera puede soportar.
David Fincher (recordémoslo por haber dirigido “Fight Club”) nos muestra ésta película en la que la ironía es la verdadera protagonista, como por ejemplo un hombre obeso que muere por comer demasiado, logrando cierto nivel de excentricidad.

Es una película que pudo haber inspirado a los creadores de “Saw”, pero que a diferencia de ésta, el asesino no le da la oportunidad de vivir a sus víctimas, o si lo hace, es porque está seguro que no la van a usar. Tampoco muestran imágenes de tortura, sólo los cuerpos sin vida de los que sufrieron el terrible encuentro con el señor Doe. Mi recomendación es: hay que olvidarse completamente de “Saw” para ver esta cinta.

Nos enseña que el gore (violencia gráfica) no es el único recurso para lograr la repugnancia, también lo pueden ser los diálogos carentes de moral, como el interrogatorio al participante involuntario de la muerte por lujuria, que explica con un horror latente (debo apreciar la representación tan real de este tipo, interpretado por Leland Orser) lo que lo obligaron a hacer para matar al pecador.

No es para ver en un día feliz y se debe estar preparado para todo lo que se ve en la película. La recomiendo a los amantes del cine criminal y a los que estén acostumbrados a cintas crueles con finales pesimistas, sin querer desmeritarla por supuesto. Muy bien lograda, atrapante y diferente a las demás películas de psicópatas.

Especial “PIXAR”: Cortos Grandes

Muchos hemos crecido viendo una curiosa lamparita saltanto sobre una “i” hasta aplastarla, pero pocos conocemos el significado de esta y de donde proviene. Pixar empezó como una pequeña empresa que se limitaba a hacer cortos animados y que poco a poco fue creciendo hasta llegar a la cima de la animación computarizada. Pixar ha evolucionado notablemente a la hora de crear historias que deslumbran por su creatividad y sencillez, por traer a la pantalla cosas que sólo existen en la imaginación de los niños y por cumplir sueños que de una u otra forma hemos dejado atrás, porque a quien no le hubiera gustado que sus juguetes cobraran vida o haber podido viajar en una casa elevada con globos.

Pixar sobresale por sus pequeñas historias anexadas al comienzo de cada película, animaciones con un buen toque de humor y un propio micro universo que las hace únicas. Pixar, creador de cortos que cuentan más de lo que uno se imagina.

“The Town” (2010): Entre lo correcto y lo discreto

Muchas veces hemos visto películas de ladrones perseguidos por policías, ciudades plagadas de crimen, historias que involucran drogas y sexo, un drama familiar e incluso un típico romance embutido en una película de acción. Pero, ¿Que pasaría si todos estos elementos se unen y logra una fusión casi perfecta donde ningún tema de la historia se sienta como si de relleno se tratara? Pues bien, pasó, y tiene nombre propio “The Town”, este filme dirigido por Ben Affleck, quien se estreno como director con “Gone Baby Gone” la cual fue muy bien recibida por la critica, y ahora sorprende con otra maravillosa cinta. 

El protagonista (Doug) criado en una ciudad corrupta por excelencia, se desempeña muy bien como ladrón, pero un día viola la regla de oro de cualquier trabajo, juntar lo profesional con lo personal, creando así un drama interno entre que camino tomar, pero mientras decide, se da cuenta que no es fácil salir ileso del tornado en el que entro.

Buenas interpretaciones, citas inteligente y guiones puntuales, aunque hayan momentos donde quizá sea necesario hacer recapitulaciones mentales para seguir el hilo, escenas fuertes y emotivas, capaces de hacerte dudar sobre quien merece nuestro apoyo moral y para cerrar, un final inesperado pero discreto.

Si me pidieran en que genero clasificar esta película no sabría si catalogarla como acción, drama o suspenso, ya que muchas películas mezclan algún otro ingrediente a su base, pero esta en particular sabe como combinar cada rama para crear un producto homogéneo.

“Machete” (2010): El renacer de las Serie B

Danny Trejo a manos del director estadounidense Robert Rodríguez, protagoniza esta cinta que narra las andanzas de un ex federal mexicano que fue traicionado por un consejero político americano y que busca venganza de este y de su jefe, el postulado a senador John McLaughlin (Robert de Niro). Puede ser considerada una crítica social a lo que está sucediendo en los Estados Unidos por las leyes contrarias a los inmigrantes ilegales.

Sale de un tráiler falso que servía para unir dos cintas (“Death Proof” Quentin Tarantino y “Planet Terror” Robert Rodríguez) de la película “Grindhouse: Planet Terror, Death Proof” (2007). Este proyecto nace de la fascinación que sentía tanto Rodríguez como Tarantino por las películas de serie B (de bajo presupuesto y mala calidad, que estuvieron presentes entre 1930 y 1960) que se presentaban, en la mayoría de los casos, en funciones dobles. El tráiler de Rodríguez logró tanto éxito, que los mismos seguidores del director le pidieron que la rodara, y así fue, decidieron filmar la película con el mismo estilo de “Planet Terror” y algunos toques exploitation (películas que explotan algún tema, en este caso la violencia). El problema es que Rodríguez se centró mucho en hacer la película muy exploitation y no logró poner la misma energía que le puso a su “Planet Terror”.

Es una película bastante violenta y su exageración la hace algo divertida. Es para pasar el rato, y por obvias razones, se debe entender el concepto del director para que pueda gustar, porque a decir verdad, si alguien que no ha estudiado las cintas exploitation o las de serie B la va a ver, le va a parecer engorrosa y algo ridícula.

Es una película destinada a los conocedores de la obra de Robert Rodríguez, y a los que les atraigan las películas de serie B y quieran recordar un poco de su época dorada.

El Cine: Una pasión (I)

En términos generales, el cine es otro recurso audiovisual que puede ser considerado un arte. Pero el cine es más que eso, el cine para muchos es una pasión que algunos llaman cinefilia, un momento y un espacio para olvidar nuestros problemas y ver los de otros.

No existen películas buenas o malas, hay películas para cada momento, películas interesantes y aburridas, zurdas y derechas, cada película tiene un toque que puede gustarle a algunos y ser odiada por otros.

No hay que memorizarse nombres de actores o directores para saber de cine, sólo basta con tener una mirada crítica y cierto sentimiento de amor para con él. Al igual que cualquier otra forma de arte, el cine es una cuestión de gustos y se le debe dar una oportunidad para que haga parte de nuestras vidas.

En fin, no olvidemos al cine, querámoslo y entendámoslo, algunas veces nos sorprenderá, otras nos decepcionará, al igual que muchas otras cosas en la vida.

“El Bueno, el Malo y el Feo” (1966): Spaghetti Western

“El Bueno” (un personaje sin nombre, protagonizado por Clint Eastwood) trabaja codo a codo con “El Feo” (Elli Wallach) capturándolo para cobrar la recompensa y luego liberándolo hábilmente con su rifle al cortar la soga que hay alrededor de su cuello. Todo es igual y rutinario hasta que tienen una discusión que los distancia, pero que luego se dan cuenta que cada uno tiene la información para conseguir oro robado que está escondido. Lo que no saben es que otro personaje amoral (“El Malo” interpretado por el legendario Lee Van Cleef) también va en busca del mismo tesoro.

Se destaca por ser una de las mejores películas del director italiano Sergio Leone y por ser la más representativa del género que (por así decirlo) él invento, el “Spaghetti Western”. El “Spaghetti Western” es una respuesta a los westerns americanos que iban en descenso, una especie de mejora por parte de los italianos (de ahí el Spaghetti). Estos westerns tienen lo que a los americanos les faltaba: aquí se crearon las famosas primeras tomas a los ojos de los personajes, los duelos de pistolas cara a cara y sobre todo, aquí son mucho más comunes los antihéroes, aquellos que son considerados los “buenos” de la película aunque sus acciones no pueden llamarse buenas.
La banda sonora de la película, compuesta por el maestro Ennio Morricone, es una de las más reconocidas e imitadas, a tal punto que es una especie de referencia al género western.

Una película magnífica contada con toques de humor negro, una asombrosa actuación por parte de los tres protagonistas y escenas que convirtieron esta cinta en una de culto (los duelos, la musicalización e incluso el nombre de la misma es famoso).

Recomendada a los seguidores de los westerns clásicos y a los que les interese ver una de las películas que instauro el peculiar estilo del director Quentin Tarantino.

“Los viajes del viento” (2009): El todo, en lo sencillo

No me concentrare ni en nombres de personajes, ni en los nombres de las personas que los interpretan. Empezare con lo más fácil, la historia. Ubiquémonos en la costa atlántica colombiana por allá en los años sesenta, tenemos a un juglar (una persona que se dedica a ir de pueblo en pueblo cantando y tocando vallenatos) que decide dejar su vida de parranda. Emprende un viaje por toda la región costera colombiana para devolverle el acordeón a su maestro, lo que no esperaba es que un joven se le una con la intención de que le enseñe a ser un juglar. Una historia bastante sencilla y repetida, porque a decir verdad, no es la primera vez que un viaje con un propósito “moral” llega a la pantalla (recordemos pues “Salvando al soldado Ryan”). Lo diferente de esta película, dirigida por el colombiano Ciro Guerra, es la forma en cómo es contada, un notable homenaje a Colombia y a lo que representa.

Seguire con alabar su sencillez, una sencillez que es más compleja de lo que parece. Esta road-movie contiene muchas otras películas en versión colombiana. Las batallas vallenatas que pueden recordar algunas escenas de “8 Mile”; el mismo acordeón del diablo que puede ser referencia del misterioso maletín de “Pulp Fiction” (la forma en cómo los protagonistas lo cuidan y lo que significa para ellos); y el propósito de todo el viaje es muy similar al de “El Señor de los anillos”.

Como ya se dijo, es un homenaje a Colombia, y cómo no serlo. Respetar y darle una significativa importancia a los paisajes (algo que esta película tiene, es una excelente fotografía), hace que el espectador se conmueva y se sienta maravillado con la inmensidad del planeta. Mostrar a los nativos de la región y dejar que hablen en su idioma sin querer violentarlos con subtítulos, es respeto por las diferentes culturas colombianas. Dar a conocer el arte marcial colombiano como las peleas con machete, acompañado con el sonido del maldito acordeón en una muy bien lograda escena, en la que las miradas de los extras juegan un papel fundamental. Y sobre todo, la música, con la cual se rinde culto a las notas musicales de los costeños.

Debo mencionar la que para mí fue la escena más memorable de la película, el despertar del joven en la sierra nevada con una improvisada canción que se debate entre la interpretación de la flauta de un nativo y el acordeón de nuestro protagonista. Un momento mágico que representa la unión de nuestros antepasados con nosotros mismos, acompañados con la solemnidad de las montañas y el peculiar sonido del viento. Realmente asombrosos.

Una película en la que el silencio y las imágenes valen más que mil palabras. Es una cinta lenta que pone a pensar al público. Destinada a aquellos amantes del cine independiente, que aprecien una buena fotografía y una buena musicalización, y que disfruten de tramas lentas con finales consagrados al entendimiento de cada uno.

“Amores Perros” (2000): Codicia, locura y redención

Desde México viene esta cinta que mezcla la violencia y las tramas entrelazadas. Tenemos tres historias totalmente distintas que en un punto específico se unen: Un tipo que apuesta en peleas de perros para poder escaparse de su casa con su amante, una modelo que se accidenta y debe pasar el tiempo en su casa con su perro que se pierde bajo las tablas del piso, y un vagabundo asesino a sueldo, cuya única compañía son los perros callejeros, que busca la aceptación de su hija.
Al comienzo de cada historia (que están claramente divididas) el público no entiende para nada la relación de una con otra, pero que poco a poco se van vislumbrando las conexiones. Está película del director Alejandro González Iñárritu, tiene un estilo muy similar (no igual) al de su famosísima “Babel” (2006), con personajes que no se conocen, pero que se encuentran en un momento determinado.
Los perros son algo que cada historia tiene en común, y que de una u otra forma, son los que crean la violencia en la película, los que traen los problemas morales y los que conectan ciertas vidas. Son un reflejo a la ímpetu humano, una muestra de que el hombre puede cambiar de bestia a compañero leal.
Es una cinta violenta con aires pesimistas y con influencias muy marcadas de Quentin Tarantino. Está dirigida para aquellos que les guste unir historias (es una película para pensar, pero no es complicada), amen la violencia estilizada y sobre todo, para los que buscan un cine extranjero que está a la altura de Hollywood.

“The Social Network” (2010): Una biografía sin precedentes

No es mentira que esta es una película sobre como se hizo “facebook” y cuales fueron las vivencias de los involucrados en su creación, pero lo que todavía no se ha captado, es la forma tan maravillosa como David Fincher (recordémoslo por películas como “Fight Club” o “Se7en”) nos lo cuenta. Tenemos al genio en computación Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) intentando crear una especie de red social que sea “cool”. En el transcurso de la historia nuestro personaje va interactuando con otros personajes, que de un momento a otro se encuentran en una habitación, discutiendo, y rodeados de abogados sin que el espectador entienda lo que está sucediendo, pero que a medida que la trama avanza se aclaran los hechos. La narrativa es especial, dado que es una combinación del pasado y el futuro que dan un mayor entendimiento a la historia.

Los momentos de acción en esta película se encuentran en los juicios y las disputas verbales entre los personajes que logran que el público se adentre en la película, peleas que dejan exhausto y con ganas de más al espectador.
Es una crítica a la sociedad pudiente de los Estados Unidos, una especie de ridiculización a los niños ricos hijos de papá y mamá que llegan a la ambición extrema, y que por primera vez son destruidos moralmente sin necesidad de herirlos físicamente.

Es de destacar la actuación del joven Eisenberg que interpreta a un frío Zuckerberg, casi sin ningún gesto facial que llega a parecer una especie de robot con ansias de mejorar poco a poco su creación.

No es una biografía del creador de “facebook”, es una biografía de “facebook” y está recomendada a todo público, pero en especial a aquel que busca ser absorbido por la película y quiere emociones fuertes que no requieran de sangre o balas para ello.

“Corre Lola Corre” (1998): Una historia, tres finales distintos

Manni (Moritz Bleibtreu) llama a su novia Lola (Franka Potente) para que le ayude a conseguir un dinero perteneciente a un mafioso que ha perdido, el problema es que sólo tiene veinte minutos para hacerlo.

La película se divide en tres partes que en realidad son la misma historia, pero que al variar unos pequeños detalles consigue tener distintos finales. Es un experimento narrativo del joven director Tom Tykwer.

Lo interesante de la película es que hay unos personajes que se van topando con Lola que hacen de cada historia algo único. También es importante mencionar que se conoce el futuro de estos personajes por fotografías, es decir, cuentan la vida de los personajes menos relevantes por medio de rápidas imágenes.

Goza de drama, acción, suspenso y un poco de humor fino, pero lo más impresionante es que logra que el público se emocione y se llene de adrenalina, preocupándose por el futuro de la protagonista.

Es una cinta que mezcla animación, fotografía monocromática, y color, cada una de estas tiene un significado diferente, un algo más que cambia totalmente el transcurso de la historia.

El problema con la película es que a veces se enfoca demasiado en Lola corriendo sin que nada avance (pero bueno, la película se llama “Corre Lola Corre”, nada se puede hacer).

La recomiendo especialmente a aquellos que les gusten las películas experimentales, con una narrativa diferente y con ganas de sentir diversas emociones en un corto lapso de tiempo.

“One Flew Over the Cuckoo’s Nest” (1975): Un viaje por el deterioro mental

Empezamos en un manicomio, un tipo llamado Randle (interpretado majestuosamente por Jack Nicholson y cuyo papel le mereció su quinto Oscar) está allí con la única intensión de evadir la justicia y evitar ir a prisión por un crimen que cometió. Todo parece irle bien, hasta que poco a poco se da cuenta que salir de ese manicomio resultará imposible y su estancia será mortificadora por la enfermera Ratched (Louis Fletcher, también ganadora del Oscar por su papel) una mujer sin sentimientos que claramente abusa del poder.

En esta cinta dirigida por Milos Forman, la desesperación se roba el protagonismo, el público siente la misma impotencia que el pícaro Randle lleva en su interior y casi que le ruega a la pantalla por un momento de descanso a la opresión de la autoridad de aquel instituto mental.

Es una evolución y un continuo proceso a la locura de todos los personajes, hasta tal punto que el mismo manicomio se vuelve un lugar de fiesta y caos trayendo crueles consecuencias a los involucrados del desorden.

El final de la película está lejos de ser feliz (sin querer decir que no sea un buen final) y da a entender que no importa cuánto se luche, siempre se va a perder.

Excelente para aquellos que buscan una clase de humor diferente y no les de miedo experimentar con películas que pasen de ser optimistas a pesimistas.

“OLDBOY” (2003): Y el cine asiático sorprende nuevamente

El director coreano Chan-wook Park nos deleita con esta cinta que mezcla drama, humor negro y un poco de filosofía. Narra las andanzas de Daesu, un hombre que es raptado y liberado 15 años después sin razón aparente. En estos 15 años su mente se debilita y solo consigue tener pensamientos de venganza, la cual cumplirá cuando es liberado.

La película es un estudio al aislamiento humano y a lo que es capaz de llegar un hombre que esta sediento de venganza. Visualmente atractiva con cierto aire de combate coreografiado y un propio estilo ultraviolento que le transmite al espectador los mismos iracundos sentimientos del personaje, aunque no es una película sucia carente de moral.

Goza de una narrativa lineal con algunos momentos de claridad que consisten en flashbacks para el mayor entendimiento de la misma, esto nos da a ver un antes, un después y un durante de la transformación de Daesu.

Es distinta, dado que es el mismo captor el que presiona (por así decirlo) al protagonista para que averigüe el porqué de su rapto, lo que traerá consecuencias nefastas para ambos. Totalmente recomendad para aquellos fanáticos de las tragedias griegas (porque esta es una tragedia moderna al estilo de Sófocles) y a los que buscan cintas con finales asombrosos que cambian toda la historia que se venía formando.